01 太阳之子
文森特·威廉·梵高（Vincent van Gogh，1853年3月30日—1890年7月29日），后期印象派画家，对20世纪的野兽派与德国表现主义有重要影响。
梵高是荷兰人，家世很好。早年做艺术经纪人，后来干过牧师。直到二十七岁时，梵高才开始他的画家生涯。
在他生命的最后十年，他创作了两千多幅画，包括约九百幅油画与一千一百幅素描。梵高融入了印象派的鲜艳色彩与画风，在法国南部阿尔，发展出成熟画风。
他最著名的作品多半创作于生前最后两年，此时凡高深陷于躁郁症。
三十七岁那年，梵高自杀在麦田里。
梵高丢给我们许多问题，在他自杀离开人世后，人们用一百多年的时间试图回答，仍然无法有完满解答。
梵高自画像
梵高是精神病患者，但是他看到了最纯粹的美的事物。
他的生命在最后死亡的时刻如此热烈地燃烧，追寻着太阳的光。
02 燃烧生命的花——向日葵
1888年7月以后，为了迎接高更来到阿尔，梵高画了一系列《向日葵》。
“向日葵”有特别的象征与隐喻吗？
在法国南部，随处可见大片的葵花田，在艳阳高照的夏日，这些明黄色的花朵，仿佛反射着灿烂的太阳的光。
梵高寻找着阳光，从郁暗的荷兰到巴黎，又从巴黎一路南下到阳光亮烈的阿尔。
在我的印象当中，如果坐车经过阿尔的时候，会发现开车开很久，向日葵的花田依旧没有结束。在平原或者微微起伏的山丘上，放眼望去这一大片的向日葵。这片花田是如此的辽阔。
向日葵是一个关联性很强的植物，因此就构成很特殊的一种视觉景观。
梵高当时看见向日葵产生了非常大的感动，因此这段时间梵高画了大量的以向日葵为主题的画作，也是他在艺术史上留下的最重要的一些作品。
梵高《向日葵》系列构图很一致，都是以最直接的方式，下端一个水平桌面，桌上陶罐里插满向日葵，大约都是93×73厘米的长方比例，很古典的构图，主题在正中央。
梵高 花瓶里的五朵向日葵 1888
梵高大概用了两种不同颜色的背景，一种是孔雀蓝，一种是明黄。背景的单色系使画面主题凸显，有类似东方留白的效果。
葵花插在陶罐里久了，花瓣很干，像乱草飞张，葵花的中央是一粒一粒的葵花籽，赭褐色密密的小点，梵高用油料不断堆叠，看原作时像是浮雕，有厚而粗犷的质感，画面只是花蒂和茎是绿色的，有时加一点粗黑线条，使花蒂显得更顽强。
梵高 十二朵向日葵 1888
这是炽烈强悍的生命，但被截断了，插在陶罐中，好像有一种顽强的对抗，好像生命在最后死亡的时刻依然如此热烈地燃烧。
梵高的《向日葵》像他自己的符咒。他有时候把自己的名字“Vincent”签在陶罐上，蓝色的签名，在整个黄色的明亮中很显眼。
梵高的形式风格非常自信，陶罐或桌面都是几笔简单的墨线，准确，没有犹疑，在传统西方学院技法中没有人使用过的形式，他大胆而自由地画出他的心中之花。
《向日葵》是濒临崩溃的生命最后高亢的歌声，像王尔德小说里的夜莺，彻夜用心脏抵着玫瑰的刺，刺得越痛，歌声越美，越嘹亮，但没有人知道，它是在用血灌溉朵黎明时灿烂绽放的花。
梵高的《向日葵》使他炽烈燃烧的生命留下了灿烂的形式。
《向日葵》在梵高的生命中有最后某一种隐喻的意义，因为向日葵一直在追求阳光。
对于梵高而言，生命是要燃烧的。他希望活着释放光与热，希望自己的生命能够像向日葵一样灿烂。
或许这也是梵高对生命价值一种特殊的自我解释。
03 一种旺盛的生命力
梵高一生一共创作了十一副《向日葵》，他笔下的《向日葵》，像闪烁着的熊熊火焰，颜色鲜艳、饱满，富有运动感觉。
梵高觉得自己像一朵向日葵的花，好像一直在生命里寻找阳光，一直在寻找太阳的光跟热。
他希望自己的生命能够感受到太阳的光跟热，而且将光跟热分享给大家。
我分不清楚，是梵高哪一件作品打动了我，还是他整个生命燃烧的形式才是真正的作品。我走向了文学、艺术，到了巴黎学习艺术史，那个梵高一直跟着我。
也许我在梦想梵高的某一种生命吧。
梵高在追求生命的燃烧性，他希望生命能够燃烧到最灿烂的状况。像火的颜色，像星辰的颜色，像太阳的颜色。
他希望将自己的生命能够提高到跟宇宙里最明亮星辰一样，一起发亮发光。
当我们站在这些画作面前，我们被感动的其实不只是向日葵这朵花。是梵高本身的生命。
梵高 三朵向日葵 1888
《向日葵》像在阳光中燃烧自己的花朵，冶艳、顽强、热烈、剽悍，使人感觉到旺盛而炽烈的生命力。
梵高的《向日葵》不仅给我们带来了视觉的盛宴，在欣赏这些经典画作时，还被深深的感动着。
我们感受到了一种旺盛的生命力——那生生不息的活力、动力、创造力。
这也恰恰是我们所需要来自生命的力量——尽情做自己，尽情绽放。
